2018艾敬 曾年轻 永不老

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　　“我们都曾年轻，我们的精神永不老。”这是艾敬微博上的一句话，配图是她与崔健的合影。
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　　第一个十年
　　艾敬这一生与很多人打过交道，而为她鼓掌的人也非常多，音乐制作人刘卓辉、陈升，摇滚之父崔健，指挥家小泽征尔，摄影师杜可风，导演宁浩，红遍全中国的《我的1997》的幕后创作团队――王迪、臧天朔、刘娇松、何勇等等。首发专辑《我的1997》时，刘卓辉是她的第一位唱片监制，由他创立的中国香港大地唱片公司发行，后来刘卓辉又在北京成立了大地唱片公司。作为公司的第一位签约歌手，在刘卓辉的力推之下，艾敬发行了第二张、第三张专辑，分别由中国台湾著名音乐人陈升、日本音乐制作人佐藤刚操刀。后来的第四张唱片则是与中国台湾“民谣教父”李寿全联合制作。
　　与她合作过的音乐人，占据了华语音乐圈的大半壁江山。除了对音乐质量高标准要求，对MV也是精益求精，顾长卫执导《流浪的燕子》、张扬执导《艳粉街的故事》、张元执导《我的1997》等，这些MV成为当时中国原创乐坛歌手拍摄MV的范本。
　　艾敬把1997年到2007年看作她的一个十年。2007年，为庆祝香港回归祖国十年，艾敬和宁浩合作，打造全新版的《我的 1997 和2007》，歌曲不仅表达了她对《我的1997》的怀念，更如MV中的女孩一样，见证着自己从青涩走向成熟的十年蜕变。
　　从音乐圈到影视圈，在社会翻滚向前的巨轮里，她以足够的能量在当下的激流中翻滚激昂向前，漾起新的浪花，酿造新的能量，以投入下一波的爆发。
　　1997到2007年，艾敬第一个十年里的一大半时间在摇滚音乐里奔走，在那个为音乐和梦想摇旗呐喊的岁月里，无关乎身份、名气，她和一群人做着疯狂的摇滚梦，肆意燃烧着青春岁月。
　　当代艺术的十年
　　1999年，艾敬开始在张晓刚的画室学习画画。“张晓刚老师给我最大的帮助是他没有要求我画石膏人像，而是让我直接在画布上进行创作。他说你想怎么画就怎么画。”在艾敬的艺术作品当中，有当代艺术、版画、油画以及雕塑等，而她的创作方式，更像是在做游戏，孩童般的涂鸦方式。
　　2008年，她在国内的第一个个展“ALL ABOUT LOVE”在北京今日美术馆举办，杨澜、徐克、崔健等诸多大腕赶来为歌手转型画家的艾敬捧场。2007年到2017这十年间，她出版了五本画册和文集，多次参加海内外的个展和群展，也成为第一位在中国国家博物馆、上海中华艺术宫、米兰昂布罗修美术馆举办个展的当代艺术家。
　　2017年4月，作为中国当代艺术家的艾敬，其首部英文版书《Aijing Love Art 2007―2017》在内地和中国香港地区同步发行，里面记录了艾敬近十年作?槭泳跻帐跫业拇醋魃?涯，当有人问到封面上的这双手，“我的手是身体上最美的，艺术家相信依赖自己的双手。手与心是共通的，无论哪个民族，宗教信仰的不同但是祈愿的手势相同，双手合十就意味着祈愿和祷告”。这张封面选用的是她在米兰的昂布罗休美术馆《对话》展览中的作品《AI Pray》，这是一件按照她自己双手的纹路和形状，用金属材料3D打印创作出来的作品。
　　音乐方面，艾敬也并没有完全放弃。2000年初，在第四张唱片发行遇阻而结束和唱片公司的合约之后，她自掏腰包独立制作了自己的第五张唱片《是不是梦》，这次她想做一张不受其他任何因素干扰的、纯粹的、彻底坚持自己音乐理念的专辑。“于是我每天反复斟酌音色的问题，但当时国内其实就两个声道，一个是卡拉OK，一个是人声，还没有习惯用听觉去评价音乐。”第五张专辑发行后的失望，艾敬彻底离开了音乐，移居到纽约潜心绘画。
　　“我曾形容音乐不再是我的爱人，而是我的情人，我们都在某个时期相互给予，不能再给予对方更多。等将来非常有感觉的时候，我再去写歌。
　　很多年之后，我才发现，音乐是与灵魂对话的工具。
　　“从1997年第一次到纽约，我就深深的喜欢上这个如同海洋一般的城市。我喜欢的很多流行音乐家都曾经在这里生活过，让我毫无陌生感。很快我发现了当代艺术的表达方式与流行音乐之间有着密不可分的内在联系。”在纽约，很多职业画廊和经纪人为艺术作品做推广和销售，三大艺术拍卖行也在为艺术市场推波助澜，街头艺术节、艺术博览会，各种古董博览会，这个城市无时无刻不释放着文化艺术的光芒。
　　“在纽约，我画画、看展览、煮饭……每个周末我都会去博物馆、美术馆、拍卖预展、各种展览、画廊、街头艺术，乃至旧货市场……在别人眼里看似无为，我却过得津津有味。我知道自己在收获和采集，我知道自己正在经历着生活方向的改变。”2002年，艾敬定居纽约并拥有了自己的第一个工作室。
　　四年以后，她陷入了迷茫。无论绘画还是雕塑，都无法抹去模仿的痕迹，找不到自己的特点。最终我突然发现爱是最能引起共鸣的。”艾敬开始用“LOVE”这个全世界都能读懂的词汇，往里注入自己的经历和感受，然后用新的视觉方式传递出来。从此，“love”成为了她作品当中的特殊符号，沿用至今。
　　2015年，在意大利米兰昂布罗修美术馆中展出一件名为《To Da Vinci》的声音装置作品，她开始用深邃的音乐告诉人们，音乐的表达应该更加自由和丰富。
　　“当米兰昂布罗修美术馆的副馆长邀请我做个展的时候，距离展览只有不到一年的时间，我即刻启程前往这个位于米兰市中心，拥有四百多年历史的美术馆、博物馆、图书馆。我被馆内展出的一千多幅达?芬奇的创作手稿所震撼。一幅肖像油画作品《音乐家》引起了我的注意，人们一直在猜测油画中的人物是谁，而我注意到的是他手中紧握的乐谱。经过两次对美术馆的考察，我决定用‘对话’这个主题举办个展，与达?芬奇的作品《音乐家》进行对话，用一件声音装置作品与之对话，当古老的昂布罗修美术馆内响起了一段反复循环的旋律的时候，馆长对我说，这是几百年来第一次在这里欣赏到有声音的作品。”